●舞台灯光艺术，无论是“灯”还是“光”，必须倾斜艺术的平台，遵循艺术摇篮的基本规律，为舞台服务，为戏剧服务。
    ●舞台灯光艺术，需要理性，需要包容，需要整体观念，才能走向创作的自然境界。
    ●当代舞台美术家，在源远流长、丰厚多彩的传统舞台艺术面前，应有自己的担当。
    现代意义的舞台灯光，已经走过近百年的历史岁月，已经在舞台上树立了自己的艺术形象。今天，舞台的客观条件大为改善，尤其以灯光为代表的舞台科技的发展，给当代的舞台创造锦上添花，但同时在艺术上常常忽视了应有的审美分量。我认为，舞台灯光艺术，无论是“灯”还是“光”，必须倾斜艺术的平台，遵循艺术摇篮的基本规律，为舞台服务，为戏剧服务。这是创作者应有的担当，应有的本体观念。我还认为，舞台灯光既要有独到的设计理念，又必须强化艺术实践相结合的艺术创作。拿理论与实践相比较的话，目前，舞台实践的步伐，迈得更快，更稳健，而在理论上还趋于弱势或滞后的状态，也是值得引起人们关注的。
    舞台是综合艺术，舞台美术是综合艺术，舞台灯光也不例外，也是综合艺术。“综合”与否的一个重要标志是，是否与同台的艺术家进行整一性的有机合作，达到节奏同步，音律和谐。它贯穿在整个创作的流程中，像金长烈老师的舞台，就具有很强很到位的整体感。从虚拟到写实、从动态到静态、从三维到多元，乃至从局部到整体，是讲究创造的同质性，进而找到了共同的艺术语言。当我还在学习的启蒙阶段，金长烈老师关注剧本的读解、剖析，重视实地的考察，排演场的观摩等，给我留下较深的印象。从他的作品中能感受到他与导演、设计者整合创造的气息。尤其是与设计者，在舞台时空的处理中，都可以看到他们同步创造的影子，彰显了舞台整体创造的艺术魅力。
    全方位的舞台设计者，包括灯光设计，应该扮演什么样的舞台整体创造的角色？我联想起台湾一位知名的舞台美术家聂光炎，他既是布景设计师，又是灯光设计师。他有的时候单挑，有时候布景和灯光一肩挑。他在自身创作或在学术讲课时常提出“设计是什么？”不断地在拷问自己，也在询问合作的伙伴。他的答案是：设计是语言，是系统，是分析，是结构，是选择，是沟通，是组织，是呈现。终极的目标，以我的观念来概述：设计就是创造舞台的整体。舞台艺术的意象，才能达到“外师造化，中得心源”的境地。创作揉捏不成“整体”的舞台，则功亏一篑也。
    联想到近一二十年舞台创作状态，在把握整体创作的定力上呈现弱势状态。舞台意象读解、传统的衔接、理性的思考等尚需进一步的疏理和探讨。我认为，舞台意象并不是现代用语。中国文化涉及意象的美学观念已十分成熟。例如在诗词、绘画、歌舞、音律等文学艺术领域，意象的美学乃至哲学理念，已广泛地为大众所接受和应用。我想，也同样渗透到舞台艺术各个部分的创造中。针对灯光艺术，这支无形的彩笔，更有独特的优势和魅力。举一个例子。1994年演出的淮剧《金龙与浮游》是伊天夫老师的灯光设计，给我留下深刻的印象，其用光的节奏、动态特写与戏曲的表演、锣鼓点节奏相同步，既打造了灯光自己的语言，又没有干扰人物的表演，反而产生了喜剧性的效果。可见，舞台语言创造空间是很大的。它的写意虚拟的功能、它的时空灵动的驾驭、它奏响的“无声胜有声”的气韵和营造的秘境世界等等，可以从意象文化中找到答案，找到舞台创作整体升华的台阶。
    我们常看到身边创作中的怪异现象，从宏观的方位来说，某些舞台改革的盲目性导致非理性的盲目投入，乃至干扰、无视舞台创作的基本规律和游戏的法则，导致舞台生态异化陷入的困境，甚至破坏等等。往微观里说，针对舞台美术局部这一小范围来表述，存在缺乏艺术语言的问题。虚胖的、病态的、奢侈的大制作舞台就是典型的现象。缺乏整体意识，缺乏创作的自律性，也缺乏创作的自信，缺乏一致的、清晰的舞台共识。舞台灯光艺术也不例外，也需要理性，需要包容，需要整体观念，才能走向创作的自然境界。
    现在的舞台上，比较时尚的用语就是“创新”。我赞赏创新，但我不乐意接受“言必称创新”的浮躁、浮夸的心态。创新不能停留在口号上。尤其是舞台设计、灯光设计，创作流程中的关节很多，不是以个人的主观意志所能左右的。舞台时空的可变性、不确定性随时存在。有的设计者说，我不重复自己，也不重复别人的创造，无非是夜郎自大而已。就拿灯光舞台而言，更是不大可能。我没有听过金长烈老师在设计中强调自己在“创新”。他没有张扬，没有标榜，却能透出应有的亮点。一次偶然的机会，在剧场的现场，金老师正为曲剧《北京人》的舞台调试灯光。他用局部的灯光箱移动，替代台面的景片移换，简单的相互换位的处理，呈现的舞台格局和时空间互动的画面，瞬间展示了不一样的情景，更神秘，更灵动，提供了独特的视觉形象。
    当前的舞台创作，虽然有了进步，但也有盲从性。舞台美术的“创造”与“创新”，尽管只是一字之差，我认为它们之间有微妙的差异，包括理念上的。自谓创新者，往往连自己创造的步子还没有站稳，就要开跑了，怎么能跨进艺术的门坎呢！例如，当下的戏曲舞台上，我更愿意看到纯粹的传统舞台的演出，看到原汁原味的原生态的再现。哪怕是被人贬义为“农耕时代的文化”、“小作坊式的操作”，但仍有生存的美学价值。我也愿意看到，加强对传统文化和舞台艺术的膜拜、尊重、承传。对整体的、包括灯光的舞台美术创作作些疏理，廓清自己的艺术语言，不再盲从的左右摇摆，排除种种因素的干扰。针对这一块“传统”的领地，不妨放慢点行进的脚步。我们传统舞台上意象化的美学理念，仍是大众化的朴素的“约定俗成”的审美习俗，整体把控的程式化的创造法则已经是成熟的艺术语言，已经架构了畅通的观演关系，应该铭刻在我们创作的平台上。西方理论常说的“空的空间”或“间离效果”，其实在我们舞台上，近百年来已经自觉或不自觉地在娴熟地应用着。眼下不妨舍弃一些繁文缛节的、人为的复杂化的和所谓“前卫”的舞台，洗心革面，重整旗鼓，认识一下我们祖宗的家当。我也认为，在与时俱进中，不忘优秀的积淀下来的文化瑰宝，是可以有序地循入真正的创新之路。作为当代的舞台美术家，在源远流长、丰厚多彩的传统舞台艺术面前，不只是对外来艺术的跪拜，不只是停留在对“非遗”文化的关注，应有自己的担当，才能在更开阔的艺术空间里展翅翱翔。
    再次，我还想表述两个小建议。一是作为高等学府艺术教学的平台，应该重视、加强艺术理论教学。尽管舞台美术包括舞台灯光专业有其特殊性，但艺术素养和理论研究是极其重要的。二是利用大学的资源优势，建立相对独立的舞台美术（教学）博物馆。